Comisariada por Sema D’Acosta.

A lo largo de la trayectoria de Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955), la imagen fotográfica ha tomado diferentes formas de presentación en sus trabajos, pocas veces adscrita simplemente a la representación bidimensional. De hecho, desde principios de los años ochenta del siglo pasado, ha sido habitual en su producción el uso de diferentes objetos, dispositivos e instalaciones que sirvieran de apoyo al discurso de cada nueva propuesta que afrontaba. Estos mecanismos de exhibición han ido normalmente en paralelo al desarrollo de un proyecto creativo con forma de libro, un relato visual con voluntad de obra que posibilita que la fotografía despliegue mejor su potencial sintáctico. Para el artista, tanto la disposición museográfica en sala como el ejemplar publicado cobran igual importancia, actúan como dos planteamientos tangentes al servicio de un mismo concepto.

La recopilación de trabajos que se han seleccionado en esta muestra confirma un aspecto sustancial de la carrera de Fontcuberta que no ha sido revisado antes desde este punto de vista. Su originalidad estriba en la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial.

Comisariada por Playtime Audiovisuales.

Momu & No Es son el dúo formado por Eva Noguera y Lucía Moreno, dos artistas que llevan trabajando juntas desde el año 2004. A través de instalaciones, performance y películas sus proyectos generan dinámicas basadas en la fantasía y el imaginario adolescente, no exentas de un oscuro simbolismo, a través del cual reflexionan sobre las relaciones y la condición humana en el marco de una sociedad post internet y los extraños engranajes que mantienen todo en funcionamiento.

Partiendo del arte conceptual, la performance de los años 70 y una base en textos filosóficos, evolucionan en su trayectoria hacía un “arte fresco”, personal y directo que sabe entroncar con el público, sin perder capacidad crítica.

Licenciadas en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde se conocieron, “primero notamos que había sintonía, que teníamos cosas en común….Pronto supimos que trabajaríamos juntas” explica Lucía sobre sus comienzos y continuación en el Dutch Art Institute en Holanda. Doctoradas por la Universidad Complutense de Madrid, su trabajo se ha expuesto en España (CA2M - Centro de Arte Dos de Mayo, CASM - Centro de Arte Santa Mónica - Caixa Fórum Barcelona) Países Bajos (Ellen de Brujine Projects - Ámsterdam) Estados Unidos (CUAC - Central Utah Art Center) o México (MACG - Museo de Arte Carrillo Gil) y en Bienales de arte, siendo consideradas por la crítica especializada, unas de las artistas emergentes con mayor proyección internacional.

Han sido becadas por el O&O Research grant del Centrum Beeldende Kunst y la Fundación BBVA, entre otros. Viven y trabajan en Róterdam donde se encuentran ultimando la película “Global Windshield, the musical” en la que profundizan en torno a los temas que muestran las piezas que os presentamos aquí: música y cultura pop, videos de internet, animación 3D, poesía, historias de amor y amistad, comedia satírica y una sucesión de imágenes subversivas en torno al arte contemporáneo y la sociedad del sXXI.

Para este nuevo programa de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y el vídeo en España, nos centraremos en su trabajo videográfico desde sus primeras obras, donde una original combinación de lenguajes y técnicas digitales estaban ya presentes.

El artista premiado por la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes y la organización de la feria Please Art celebrada en Salamanca en diciembre de 2015 fue Martinho Costa, representado por la Galería silvestre de Tarragona y Madrid. Dicho premio consiste en la realización de una exposición en el DA2. Martinho Costa, Fátima 1977, vive y trabaja en Lisboa, un artista al que no se le resiste nada.

Martinho Costa: Coleccionar el mundo y traerlo a casa.

Martinho Costa trabaja de manera obsesiva alrededor de un archivo inabarcable, echando mano siempre de la tradición pictórica y generando comparativas entre el pasado y el presente de una disciplina que inevitablemente se ha visto sorprendida ya no por la histórica irrupción del retrato fotográfico, sino por la banalización del disparo. Folding screen supone un análisis en torno al consumo de imágenes que realizamos en la era en que internet ya no destaca únicamente por su utilidad, sino por haberse convertido en un medio ineludible que entre otras necesidades genera la de inmortalizar instantes que segundos después pierden su importancia. Fotografiamos de manera compulsiva y por esa misma razón hemos provocado que con el paso del tiempo el recuerdo apenas tenga opciones de ser modificado mentalmente. Si recordamos quizás alguno de esos instantes destacados en la vida de cada uno, el uso que se daba a la fotografía era hace poco más de quince años totalmente distinto. El disparo se producía cuando la escena se encontraba perfectamente compuesta y esa imagen pasaba a convertirse en el resumen de aquel recuerdo que el discurso articulaba para finalmente convertirse en tradición oral, en punto de partida de una anécdota levemente ilustrada.

Trópico de Cáncer hace referencia al espacio donde la eclíptica corta la esfera terrestre en una latitud máxima de 23º 26´ 16” N. En concreto, aquellas tierras en donde la línea tropical se aproxima a dos islas bañadas por el mar de las Antillas y donde sus costas están delimitadas por el océano Atlántico al Norte y Este y por el mar Caribe al Sur. Sus nombres Cuba y La Española. Asentados en sus tierras subtropicales, tres países soberanos, Cuba, República Dominicana y Haití, comparten buena parte de lo que la cultura y la naturaleza geográfica les ha proporcionado a lo largo de sus cortas vidas.

Durante más de veinte años Díaz Burgos ha recorrido estos territorios. A lo largo de todo este tiempo ha captado miles de imágenes de estos lugares y estas gentes, con el fin de arrebatar emociones y sentimientos para conocerlos y entenderlos mejor, y siempre con el factor humano como primer objetivo.

El I.E.S. Lucía de Medrano ha demostrado en sus casi 75 años de docencia la preocupación y el interés por las Artes Plásticas por parte de su alumnado y del profesorado del Centro, realizando y participando en múltiples proyectos artísticos y culturales.

El objetivo de esta exposición “CompArte y más” es abrir las puertas de nuestro Centro y mostrar los trabajos, las obras y, en definitiva, el resultado final de una serie de proyectos que los alumnos del IES Lucía de Medrano junto con sus profesores llevan realizando en los últimos años.

Fruto de los distintos proyectos; el Proyecto Tecnicea; el Proyecto Promece de mejora de centros “Paisajes de Aprendizaje; el taller de teatro y la labor diaria docente del Departamento de Artes Plásticas del Instituto, es esta muestra que hoy exponemos en forma de obra final realizada por todos los alumnos y cuyo fin no es otro que el de promocionar el arte, estimular la creatividad y sobre todo educar la sensibilidad facilitando la experiencia estética.

Lo que podemos observar en esta exposición de CompArte y más es solo la punta de un iceberg que tiene como base sumergida acciones tan significativas como:
ObservArte, InterpretArte, AcciónArte y ExpresArte.

Y que a través de talleres y visitas didácticas que serán organizadas por los profesores acompañantes de los alumnos que vengan a visitar esta exposición podrán hacerse realidad.

Una muestra producida específicamente para el DA2 que trata sobre la fotografía: desde su materialidad física, su tratamiento como objeto hasta llegar a la instalación, pasando por su validez en fase de veladura y de no-imagen, hasta sus posibilidades en movimiento. La opción ideal del artista no es lograr la imagen más bella o impactante, el instante preciso captado, sino ser capaz de revelar el sentido de lo que esa imagen oculta dentro. En la era de la postfotografía, cuando todo es parafernalia digital, Tornero nos brinda una vuelta a los materiales que se impregnan de lo fotográfico.
El mensaje de Tornero es una lectura del mundo excesivo contemporáneo, a través de ojos propios, con un toque de autorretrato: mirar es un trabajo muy serio, pero que también tiene una fuerte carga tóxica.

La llegada de las herramientas digitales ha supuesto un gran cambio en la manera de vivir y de contar nuestros viajes. La artista peruana Andrea Canepa (Lima, 1980) no es en absoluto ajena a estos periplos cibernéticos y se apoya en Internet para buena parte de sus investigaciones. Los dos grandes ejes en torno a los que bascula su obra son las nociones del tiempo y del espacio vistos a través de una mirada de experimentada archivera que clasifica y organiza con rigor los materiales que más tarde nos presenta. Con la ayuda de varias manos amigas repartidas por todo el globo y orquestadas a través de las redes sociales, el uso de los servicios de correos y de aplicaciones como Google Maps, La verdad está en otra parte nos muestra que desplazamiento no es sinónimo de viaje y que podemos viajar, también, sin movernos del sitio.
Entre las obras que podremos ver en esta exposición, IEC 60086 ha sido especialmente producida para esta muestra individual. En ella Canepa reúne once variantes de clavijas eléctricas que existen en el mundo y las conecta entre sí con cables en cuyo extremo final se enciende una luz. La electricidad viaja de esta manera por todos ellos adaptándose a las distintas formas propias de cada lugar.

La obra de Domínguez Serén se enmarca en el cine de no ficción en el que, a partir de la observación del entorno que le rodea y el encuentro con lo inesperado, reflexiona sobre el yo y su relación con el otro, estableciendo un diálogo entre ambos a través de elementos cotidianos como son el paisaje, el trabajo y el idioma. Esta temática viene marcada por su condición de emigrante. En 2012 se instaló en Suecia, donde ha desarrollado gran parte de su carrera.
Desde que en 2013 realizara Pettring, sus películas han sido seleccionadas y premiadas en algunos de los festivales de cine más prestigiosos a nivel internacional, como FIDMarseille (Francia) Visions du Réel (Suiza) Mar del Plata (Argentina) Jihlava (República Checa) FICValdivia (Chile) o SEFF y L’Alternativa (España). En febrero del 2017, participa en el Berlinale Talents del Festival Internacional de cine de Berlín, presentando su nuevo proyecto de largometraje “Hamada”.
Hasta el 4 de junio dsifrutamos en el DA2 de cuatro de sus obras: Pettring, Novo novo céio, Yellow brick road y Rust.

La artista salmantina Rosa Hernández Fraile se sumó a la oferta expositiva del centro de arte contemporáneo de Salamanca, DA2, con la muestra “La península humana”. Una instalación producida específicamente para dicho espacio, articulada a partir de siete módulos, en los que se hallan objetos encontrados y fabricados, escenografías con luces y sombras y artilugios que analizan e interpretan los fragmentos que construyen la individualidad y sociabilidad del ser humano, modelados a partir de un mundo que podríamos definir altaneramente devastado por la razón. Una ficción de ficciones entre la luz y la oscuridad. La penumbra acoge formas imposibles, ambivalencias de la figura y sus relaciones contradictorias en un relato apenas inverosímil del que todos parecemos formar parte.

Para esta exposición Rosa Hernández contó con la colaboración del investigador Jorge Blasco Gallardo, el pianista Luismi Segurado y el fotógrafo Javier Queizán.

El centro de arte contemporáneo de Salamanca incorporó una nueva muestra con la que completa su oferta expositiva. Se trata de la exposición Mitologías cotidianas, que reúne 25 años de trayectoria de la artista madrileña Chus García-Fraile. Es la primera vez que un museo —en este caso el Domus Artium (DA2) de Salamanca— realiza una revisión tan amplia y tan ambiciosa de su obra.
Mitologías cotidianas incluye un total de 92 obras consistentes en 1 instalación, 3 esculturas, 8 dibujos a carboncillo, 4 vídeos, 10 fotografías y 66 pinturas. La muestra ha sido comisariada por Paco Barragán

El centro de arte acoge un año más la exposición de los premios San Marcos de la Facultad de Bellas Artes este año en su edición número XXI, en ella se muestran las obras premiadas y seleccionadas en las categorías de escultura, dibujo, grabado, audiovisuales, fotografía, diseño y otras manifestaciones artísticas. Con esta convocatoria los estudiantes tienen la oportunidad de mostrar su trabajo en un centro de arte, de modo profesional, un peldaño más dentro de su carrera artística.

La muestra de los trabajos de la categoría de pintura puede verse al mismo tiempo en la Sala de Exposiciones de La Salina de la Diputación de Salamanca.

Comisariada por Sema D’Acosta.

Rafael Agredano, Chema Alvargonzález. Manu Arregui, Javier Baldeón, Manolo Bautista, Nuno Cera, Patricia Dauder, Jordi Colomer, Roland Fischer, Cristina Fontsaré, Ciuco Gutiérrez, Alberto García-Alix, Candida Höfer, Cristina Iglesias, Carlos Irijalba, Juan Francisco Isidro, Juárez & Palmero, Rita Magalhães, Mireya Masó, Masbedo, Bruce Nauman, Mabel Palacín, Gonzalo Puch, Xavier Ribas, Humberto Rivas, Bernardí Roig, Julião Sarmento, Sam Taylor-Wood, Claudia Terstappen, Juan Uslé, Eulàlia Valldosera, Javier Vallhonrat.

Paisajes-luz

Sin darnos cuenta, tenemos interiorizado un código simbólico para desenvolvernos en cualquier contexto y entender de forma intuitiva aspectos del paisaje. Ese modo inconsciente de aproximarnos a nuestro entorno palpita propulsado por la contraposición entre luz y oscuridad, una alternancia entre el día y la noche que marca el transcurrir de la existencia. Su asimilación conlleva unos intervalos lumínicos intermedios (amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer, ocaso, noche, madrugada...) y sus correspondientes matices de sombra. El primer escalón perceptivo de cualquier lugar nos ubica respecto a ese momento concreto y define unas coordenadas de espacio y tiempo. No sólo es donde nos hallamos, sino también en qué instante y circunstancias.

Para ver en la noche necesitamos una fuente de luz artificial, instrumento generado por la civilización que permite la domesticación del lugar. Adentrándonos en estos parajes ocultos y hasta hace no mucho vedados, vamos descubriendo una realidad psicológica nueva construida por el hombre. Esa alteración del medio natural rompe la correlación milenaria entre el individuo y su hábitat, una quiebra que amenaza un vínculo tácito de correspondencias y ritmos lógicos establecidos durante siglos.

Texturas-luz

Una de las cualidades más interesantes de la luz lateral es su capacidad para potenciar la profundidad de las superficies. Aunque el carácter de la fotografía es bidimensional, con un foco direccional adecuado podemos resaltar aspectos táctiles capaces de acentuar los volúmenes. Si concentramos la atención en una zona delimitada y cerramos el plano, podemos generar una imagen indefinida que carece de perspectiva. Esta mirada incisiva que se centra en una zona precisa funciona como un zoom-in que nos acerca a los detalles de un lugar. De algún modo, se interpreta como una pintura abstracta. Igualmente, el uso del flash potencia fragmentos aislados de un lugar hasta descontextualizar la imagen de ese paisaje.

Personajes-luz

Los personajes de una fotografía o video están siempre supeditados a la iluminación como una narración escrita a la palabra. No existe uno sin el otro, actúan como el haz y el envés de una moneda. Aunque se establece una jerarquía que procura priorizar el contenido, sin duda el mayor calado se produce en el modo en el que se construye ese asunto aparentemente principal. Tanto es así, que aquellos aspectos inherentes vinculados a la luz de los que apenas nos percatamos, son los que verdaderamente tienen incidencia sobre nosotros a la hora de hacer trascender un mensaje a través de un relato visual. Es como una conversación cara a cara, donde los componentes no verbales (los gestos, movimientos, miradas o el tono, la intensidad y velocidad de voz) aportan más información que lo hablado.

Al margen de si lo que fotografiamos es un grupo de personas o un primer plano, mucho de su interés reside en el modo en el que la luz esculpe las formas. Para ello, hay que entender la calidad de las superficies en tanto que objetos, una inquietud que nos lleva a la especificidad del medio y aspectos metalingüísticos que nos hacen reflexionar sobre este lenguaje desde dentro.

Objetos-luz

Esta sección de la exposición se centra en objetos relacionados con la luz, sobre todo algunos aparatos cotidianos capaces de generarla. En la mayoría de los casos, destaca la ausencia de protagonistas, su huella. Algunas de las obras poseen rasgos autobiográficos. Predomina el silencio. Aquí la luz sirve de pretexto para provocar metáforas que hablan de la vida desde diferentes puntos de vista, unos veces de forma más poética y otras más irónica. Los objetos sencillos por encima de querer alcanzar lo extraordinario, posee el gran valor de guardar memoria de lo cotidiano, de los detalles pequeños e inadvertidos.

Comisariada por Victorino García Calderón.

José Núñez Larraz (1916-1995)

Somos muchos los que le debemos a Pepe (así le llamábamos coloquialmente) todo o casi todo lo que somos artística y fotográficamente hablando, su paciencia con nosotros y su dependencia de un vehículo ajeno para “salir a hacer fotos” hicieron que aquellas “quedadas” de entonces, a caballo entre la dictadura y la transición, formen parte de nuestra memoria que no se ciñe exclusivamente a consejos técnicos, Pepe no era de los que adoraban los aparatos ni, por supuesto, de los que se pasaban horas hablando de marcas y modelos de cámaras, objetivos, fotómetros y otras zarandajas.

Un día se levantaba, miraba por la ventana de su casa frente a su querido Campo de San Francisco, tomaba el teléfono y te llamaba: “Hoy ha nevado y tenemos que ir a Doñinos antes de que se derrita”, “hay que ir temprano porque las primeras luces son las mejores”.

Pepe cogía su cámara, subía al coche y en el trayecto, entre chiste y chiste, nos dirigía la mirada hacia donde él la ponía, “mirad qué luz” o… “¡para! ¡para! que se va la luz”, y había que parar. Buscábamos un altozano desde el que poder observar la interacción del hombre con la naturaleza, la Mesa del Carpio, Los Arapiles o la atalaya de la Armuña desde la ermita de Monterrubio eran sus sitios preferidos, desde allí impartía su magisterio, desde allí nos enseñó a mirar, a deleitarnos con el juego de la luz, con las texturas y colores de las tierras salmantinas. Al cabo de unos días, íbamos por su librería, seleccionábamos las mejores fotos de la última salida realizada y allí, en el sosiego, concluía la lección: “corta por aquí” “le sobra esta parte”, nunca fue devoto de mantener los formatos originales y allí aprendimos a encuadrar y componer, no solo las fotos, sino nuestra mirada.

En esta muestra es seguro que no estamos todos los que le debemos algo, pero los que estamos tenemos la certeza de haber compartido esos momentos en los que Pepe nos abría ojos y horizontes y no sólo físicos. Es de lamentar que en el trayecto de la preparación de esta exposición desgraciadamente se nos han quedado dos compañeros por el camino: Armando Sánchez y John Hyde, dos excelentes fotógrafos, que como los que aún damos guerra, seguimos la senda de Pepe. Unos y otros no hemos pretendido que esta muestra sea un resumen de las singladuras personales que hemos seguido a partir de su ausencia, es sencillamente, un reconocimiento de que somos deudores de su magisterio. Un recorrido por la muestra revelará la diversidad de cada uno de nosotros, a la par que proclamará que somos discípulos de un maestro con una mirada inigualable.

Comisariada por Playtime Audiovisuales.

El decimocuarto ciclo de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales para el DA2 - Domus Artium 2002, está dedicado a Las chicas de Pasaik, el dúo artístico formado por María Elorza y Maider Fernández, dos artistas visuales, con base en San Sebastián, que además de trabajar juntas, son amigas y comparten espacios, personajes y momentos comunes, ingredientes todos que se reflejan en cada una de sus obras.

Comenzaron a colaborar en el año 2011, realizando algunas piezas como “Irudi mintzatuen hiztegi poetikoa” dirigida junto con el cineasta Aitor Gametxo. Dos años después, deciden formar el colectivo Las chicas de Pasaik, nombre con el que comienzan a firmar sus trabajos.

El ámbito de lo doméstico, las familias, los recuerdos, los amigos, los veranos, la ciudad de San Sebastián, son temáticas recurrentes en su filmografía, en una forma de recuperar las vivencias y la memoria personal de la gente. Una suerte de retazos de vida, de marcado carácter autobiográfico, en donde lo personal y el cine se fusionan en un todo, lleno de libertad creativa.
A la hora de afrontar su trabajo, la cámara se convierte en la herramienta que permite posicionar a cada uno en su rol dentro de la obra, unas como cineastas otros como personajes, facilitando así que las cosas sucedan y poder reflexionar sobre la sencilla belleza, que radica en el hecho de lo cotidiano.

Películas en apariencia pequeñas y que pueden enmarcarse dentro del cine “amateur” en cuanto a su frescura formal, en el que la importancia de captar el momento por encima de todo, les lleva a grabar con el dispositivo que tengan más a mano, ya sea una cámara profesional o un teléfono móvil. Un cine que emociona y sabe llegar, desde lo más cercano, hacia una reflexión sobre los temas universales.

Las chicas de Pasaik cuentan con una trayectoria breve pero intensa, que ya las ha llevado a ser premiadas en algunos de los festivales de cine más importantes del estado, véase Zinebi (Bilbao), Alcances (Cádiz), Festival de Cine Europeo de Sevilla, L’Alternativa (Barcelona), El Festival Internacional de Cine de San Sebastián o más recientemente El Festival de Cine Español de Málaga, donde, este año, se llevaron el premio al mejor cortometraje documental.

Para este programa de Visiones Contemporáneas hemos seleccionado tres de sus obras más significativas, “Agosto sin ti”, “Gure Hormek” y “La chica de la Luz”.

OBRAS

Agosto sin ti - Sonido. Color. Digital. 2015. 22’

“El verano es algo que no se piensa” De Maider a María

Desde San Sebastián escribe Maider y desde la isla de Cerdeña, María, las vacaciones de veranos siguen su curso y las dos amigas, en ausencia la una de la otra, mantienen el contacto a través de unas correspondencias a la manera de video – diarios, que continúa la línea de otras cartas filmadas por cineastas como las de Víctor Erice a Abbas Kiarostami o José Luis Guerín a Jonas Mekas.

Del cine más “amateur” del veterano Mekas, beben en gran parte de su obra Las Chicas de Pasaik. Microuniversos en los que tienen cabida cenas familiares, las fiestas del pueblo, pequeñas discusiones... La nostalgia de un tiempo pasado, de unos momentos vividos, que ya no serán pero que permanecen.

El aquí y ahora que resulta de un momento concreto, tan difícil de plasmar en pantalla es reconstruido por las directoras y “Agosto sin ti” logra crear una experiencia visual muy hermosa para el espectador, desprovista de todo artificio que nos hace reflexionar y sentir sobre todo lo que vivimos.

Gure Hormek (Nuestras paredes) - Sonido. Color. Digital. 2016. 17’

“Nuestras paredes homenajean a quienes queremos” así arranca esta historia que surge de un paseo entre Maider y María por las calles de San Sebastián y darse cuenta que la mayoría de los nombres, de sus avenidas y plazas, pertenecen a hombres.

Esa reflexión, las llevó a cuestionarse el papel que tienen las mujeres en la historia y como es dentro, en el interior de las casas, “en ese cuarto propio” como escribía Virginia Woolf, y no fuera, el lugar que, tradicionalmente, ha sido asignado a la mujer.

Un lugar oculto, un micro universo, que aquí es homenajeado por las directoras, dedicando la película a las amas de casa, a las madres y a todas las mujeres de nuestra sociedad.

Una idea y una reflexión que surge a partir de los retratos que cuelgan de las paredes de nuestras casas y donde una vez más las familias y amigas de Maider & María son protagonistas, construyendo un relato autobiográfico sencillo y bello, con un gran trasfondo social e histórico. “Mi abuela es de la generación del silencio” dice Maider. Mujeres obedientes, mujeres cuidadoras, mujeres calladas y paredes que hablan.

El espacio público, ocupado históricamente por el hombre, llenando con su presencia calles y plazas, se transforma aquí en una urbe utópica en la que “El barrio de las Amas de Casa”, “el distrito de Las Insomnes”, “el kiosko de La Madre Desconocida” o “el subterráneo de las Mujeres Solas”, dan nombre a la ciudad.

Un canto intergeneracional a la sororidad, en el que abuelas, madres e hijas ocupan el lugar principal.

La Chica de la luz - Sonido. Color. Digital. 2016. 12’

“La chica de la luz”, es una de las doce miradas sobre San Sebastián, que se incluyen en la película “Kalebegiak”, que en euskera reúne dos palabras (Kale: Calle y Begiak: Ojos, mirada) un proyecto que surge en la Capitalidad Europea del 2016 y que propone un recorrido específico por una ciudad eminentemente cinematográfica. Esta es la primera vez que “La chica de la luz” se proyecta de forma autónoma. De entre todos los cortometrajes que conforman “Kalebegiak”, este destaca por que no representa una postal utópica de la ciudad. La protagonista es la noche y la búsqueda de un personaje singular que ronda la parte vieja de la ciudad. Una vendedora ambulante, oriental a la que Maider y María habían captado por azar durante la grabación de unas escenas nocturnas tiempo atrás. Esta mujer, que vende objetos luminosos y curiosos a los turistas, les sirve para trazar un mapa oculto, una cartografía de la noche que nos ofrece una visión diferente de Donostia.

“Parecíais extranjeras en ese territorio que me pertenece” la noche, dice la voz en off que sirve como hilo conductor a esta historia de casualidades donde Las chicas de Pasaik arriesgan y experimentan más formalmente que en obras anteriores. Filmando entre los cristales, jugando con distintos efectos luminosos y dejando una sensación de fantasmagorías, donde se mezclan los encuentros espontáneos entre amigos que están de fiesta, un sábado por la noche y este singular personaje, con el que reflexionan sobre “la invisibilidad” y el anonimato del otro, del desconocido.

Es un proyecto expositivo producido por EL TALLER espacio de creación y realizado por niños y niñas a lo largo del curso académico 2016-2017.

Los niños y niñas han elegido representar sus universos de juego preferidos. Cada uno de estos universos está formado a medida de cada percepción, de cada imaginario. Las percepciones son únicas, irrepetibles y cambiantes pero perfectamente compatibles con otras ajenas. El conjunto de todos los universos “creados”, sobre ese otro universo subyacente de la realidad darían lugar a un “multiverso”, o lo que es lo mismo, un conjunto de universos en un solo universo.

Estos niños y niñas son conscientes de cuál es su universo pero conviven con los de los demás en el mismo espacio y tiempo, sin que las cuestiones de género o edad influyan demasiado. Eso dota a este proyecto de una magia especial donde los conceptos están claros pero sus límites y sus combinaciones no.

La muestra se presenta como una gran escenografía en la que conviven la pintura, el dibujo, la escultura, luz y sonido formando un multiverso o macrouniverso creado a partir de tres microuniversos: el universo Princesas, el universo Lego y el universo Minecraft.

Para poder acercarnos a esta compleja combinación de conjuntos, he aquí algunos conceptos básicos:

El universo Minecraft es un videojuego de construcción de tipo mundo abierto. Creado por el sueco Markus Noth Persson, fue lanzado públicamente en 2009 y desde entonces no ha dejado de extenderse a nivel mundial.

El universo Lego es una marca de juguetes danesa fundada en 1932 y reconocida principalmente por sus bloques de plástico interconectables. Los personajes que se mueven por este mundo son pequeños muñecos rígidos muy simples, con escasa capacidad de movimientos pero casi ilimitadas posibilidades de representación de personajes y caracteres.

Tanto Lego como Minecraft tienen en común el hecho de que no poseen un objetivo específico por lo que el jugador es quien decide cómo jugar. Ambos están formados por bloques que se unen y combinan para formar elementos escénicos. Ambos permiten el juego en solitario o en grupo.

En ambos hay personajes, objetos y animales que obedecen a estereotipos o funcionalidades distintas.

Por último, el universo Princesas independientemente de otras interpretaciones antropológicas o psicológicas, se pueden considerar en conjunto, un universo. En él, distintos estereotipos, personalidades y estéticas conviven e interactúan, entre ellas o con otros juguetes y juegos. Las princesas, sean del tipo que sean… bueno, como siempre, van a su aire, se mueven y hacen lo que quieren.

Todos ellos son muy diferentes, pero, a la vez, todos son una sola cosa y habitan en el mismo sitio: la imaginación infantil. En realidad en los tres se trata de construir algo: una realidad a medida del niño o niña, unos personajes en los que se reflejan, unas características que encajan con su personalidad, una historia acorde con sus habilidades sociales y su fantasía.

Se construye así un espacio indeterminado pero muy concreto en la mente infantil en el que todo puede suceder.

ELTALLER espacio de creación.

Comisariada por Sergio Rubira.

Los palíndromos son palabras o frases que se leen igual de izquierda a derecha que de derecha a izquierda. No se altera su significado porque las letras están colocadas repitiendo el mismo orden. Odio la luz azul al oído. Están construidos de forma simétrica y permiten que la vista los recorra de un lado a otro y del otro al uno, continuamente, una y otra vez, rompiendo con la dirección a la que obligan la escritura y la lectura. Pueden leerse en un espejo porque son reflejos. Odio la luz azul al oído. Este juego de ir y venir, que tiene algo de travesura infantil en ese “recorrer a la inversa” del que habla la etimología de palíndromo, permite ser otro por un momento, quizás sólo por un instante: se deja de escribir o de leer, se abandona la posición de sujeto o de receptor, y se descubre que las letras y las palabras tienen forma, son puras formas. De pronto, se aprecia cómo se ordenan en el espacio blanco de la página. Las letras ya no son sólo sonidos, las palabras no sólo tienen significado, sino que se ha desvelado su condición de dibujo. Odio la luz azul al oído.

Esta experiencia del palíndromo es similar a lo que sucede cuando se contempla una escultura de Alicia Martín. Los libros soportan el texto, sí, pero en sus esculturas son algo más. Son novelas, cuentos, ensayos, obras de teatro, y antologías poéticas, con un autor y un título concretos, aunque, sin embargo, es raro que hayan sido elegidos, casi siempre llegan a ella por azar para transformarse en elementos plásticos con los que se construye algo distinto a una biblioteca. Por un momento, quizás sólo un instante, se olvidan sus contenidos y recuperan la forma. Una forma que termina por cobrar vida, como ocurre en los cuentos góticos de E.T.A. Hoffmann y en algunas de las narraciones extraordinarias de Edgar Allan Poe con las cosas, los objetos, o en el relato “La casa tomada” de Julio Cortázar, en el que las habitaciones tienen que cerrarse porque son invadidas por algo que nunca se especifica, puede que sean los libros que han desbordado la librería, libros que serían biografías, las de los hermanos protagonistas que son expulsados de la casa del título por los recuerdos, esas memorias que han quedado atrapadas entre las páginas y ahora quieren escaparse, escabullirse, huir y lo han llenado todo. Los libros en la obra de Alicia Martín son formas con las que se crean nuevas ficciones que van más allá de las que contienen. Cesan de ser libros, o sólo libros, y pasan a ser letras o palabras con las que escribir un nuevo texto. Adquieren también las características de los personajes: se animan y comienzan a habitar la salas, ocupándolas, incluso parasitándolas.

También sucede con los muebles y esos objetos cotidianos de otros de sus trabajos que poseen cierta cualidad de lo siniestro, eso que Sigmund Freud explicaba en su artículo famoso de 1919 en el que lo familiar y lo extraño quedaban unidos por un trauma que se había reprimido y que, de repente, afloraba de forma inconsciente o del inconsciente. Butacas y sillones que han sido testigos de algo, seguramente un crimen, pero que, como el título indica, afantasmas y salen de la pared o se funden y confunden con su sombra, también bombillas y enchufes que son imágenes sin cuerpo, proyecciones de luz, que marcan la piel.

Los traumas y las heridas dejaron sus huellas en el cuerpo. Ha quedado señalado por las cicatrices de un hecho, un acontecimiento, un suceso del que no se habla porque en cuanto se haga lenguaje, resucitará, se convertirá en realidad, se reencarnará y es mejor dejarlo en un gesto, cerrarse y abrirse, tacharse y borrarse, en un Doble juego (1996) furioso. El cuerpo va desvaneciéndose, es un espectro que se diluye, se difuminan sus límites, sus fronteras se desenfocan, como ocurría con algunos de los objetos que eran fantasmas, imágenes, Iconos (1995) a los que se ha dejado de adorar y que estando vacíos, han sido llenados. El alma se ha desgajado, ha logrado separarse y es sometida a una terapia intensiva, dolorosa, mucho, casi un castigo, pero que no termina de curar en un proceso de Acupuntura sentimental (1995) que se hace eterno. El alma acaba por fugarse pero tiene que posarse en algún lugar y lo hace en los objetos, posee a los muebles y a los libros de esas obras que tienen, al final, mucho de retrato o, mejor, de autorretrato. Parecer un mueble o un libro; ser ahora un mueble o un libro. Exhibirse de otra forma, sin riesgos.

En Palíndromo se pueden contemplar obras recientes y específicas para DA2, pero también se han recuperado algunas otras anteriores de Alicia Martín que ayudan a contextualizar su trabajo y el modo en el que se enfrenta a él. Son obras que de algún modo sirven de prólogo aunque, quizás, se descubran como un epílogo. En la exposición se ha querido subrayar la idea de palíndromo –de ir y venir, de positivo y negativo, de luz y sombra, de imagen y reflejo– que está presente en el trabajo de la artista casi desde el comienzo, y que define el movimiento oscilante de esa bola de libros, amenazadora porque puede golpear, que se ha hecho especialmente para DA2 y que remite a las Leyes del péndulo, la matemática y la sociológica. Su movimiento se piensa infinito y resulta hipnótico, deteniendo la percepción del tiempo en su vaivén, el mismo que el de nuestra mirada cuando queremos leer ese misterioso odiolaluzazulaloido que recorre una de las paredes y que resuena, como un eco, en todas las salas.

Sergio Rubira

Comisariada por Marta Álvarez.

Una exposición es un diálogo donde se debate, se negocia y se acuerda; un nodo de intensidad e inestabilidad¹, donde se concentran prácticas y significados, que se activa y donde se padece, un espacio de zozobra en que se experimenta y cabe el fallo. “Aquí suceden cosas” pretende ser, por un lado, un desvelamiento de la exposición como lugar y momento cargado en sí mismo de significado donde el hecho artístico ocurre, pero también como lugar de encuentro y desencuentro y ámbito de trabajo. Pretende extender un metacomentario a la institucionalidad: al museo como cubo blanco, al artista como genio único, a la obra como objeto, a la creatividad como don y al espectador como ser que espera.

La exposición, que no es sino publicidad –en el sentido de “hacer público”– ha sido construida como un momento espectacular por diferentes narrativas a lo largo de la historia. Tradicionalmente se presenta como el punto y final preciso de una cadena de sucesos que tienen lugar muy lejos del espacio museístico, fuera de escena: en la oscuridad de un estudio o taller donde se desata la “magia de la creatividad” de espaldas a territorios y ciudadanía en una suerte de guiño posdemocrático al artista-genio masculino². Nadie parece preguntarse por el proceso de producción no remunerado: el arte como industria con mayor índice de trabajo gratuito. La exposición como significado y proceso clausurado y autónomo se contrapone a una muestra-laboratorio consciente colectivo volcado hacia el territorio, que es continuación de colaboraciones e investigaciones previas de los y las participantes, excediendo por tanto la sala que no hace sino acoger un proceso de trabajo. Un espacio para el ensayo, el experimento “en directo”³ y el error, abocado al fracaso de una puesta en tensión del poderoso aparato museal y sus ritmos frente a los de la vida que en él se introducen y que descolocan al receptor en un intento de escapada de los códigos clásicos. Los cuerpos se hacen presentes y eso modifica las lógicas de la exposición: hay que desplazarse, comer, dormir, estar, hablar.

En este espacio se entabla un intercambio artístico, físico y verbal entre artistas –que se presentan no a título individual sino como colectivo–, comisaria, escritor y público, que toma parte activa en cada uno de los hechos que suceden aquí.

La exposición deja de ser una presentación estática de un tiempo detenido conectando momentos –registrados y en presente– a través de vídeo e instalaciones, una performance, un taller y dos encuentros que toman la misma relevancia que las obras de arte mismas, desobjetivizándose éstas y diluyendo su fisicalidad. “Aquí suceden cosas” requiere por tanto un esfuerzo y una visita reiterada que persiga la continuidad de este suceder. Es un reclamo de la sala de exposiciones como espacio no inerte ni esclerotizado, sino como nodo de la producción cultural –de hacer– y no mero espacio publicitario eventual. Es también una muestra de lo que se puede hacer de otra manera y una llamada al riesgo, a la crítica y a la acción para el contexto artístico local y periférico salmantino, con el que establece una animada conversación. Es una pequeña máquina de guerra&sup4; al servicio de la potencia.

Marta Álvarez

Comisariada por Playtime Audiovisuales.

María lleva trabajando desde el año 1998 en distintos proyectos interdisplinares que tratan principalmente las temáticas del trabajo en el capitalismo actual y el lugar que ocupa la mujer dentro de la sociedad neoliberal. Así como sobre los mecanismos de construcción de la memoria y su relación con la “ficcionalidad” de la historia. Más recientemente se han embarcado también en los estudios y pensamiento decolonial.

Vive entre Madrid y Barcelona donde es profesora en el Departamento de Arte y Cultura Visual de la UB (Universidad de Barcelona). Licenciada en Historia del Arte Contemporáneo por la Universidad de Santiago de Compostela y Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, ha cursado estudios de Teoría del Arte en Ar. Co. y durante 2008 fue Visiting Researcher en CILAVS (Centre for Iberian and Latin American Visual Studies) de la Universidad de Londres.

Para este nuevo programa de Visiones Contemporáneas pondremos en diálogo algunas de sus obras y además la tendremos como invitada en una Master Class, donde nos hablará de sus referentes, trayectoria y procesos de trabajo.