LAPELICULA es el título de la exposición realizada por niños y niñas de Salamanca en torno a la idea del cine visto por los ojos de estos pequeños/as e interpretado a través de la pintura de una manera libre.

El punto de partida son sus películas y personajes, para luego ir profundizando, conociendo más sobre este medio o lenguaje.

Gracias a la participación de los cines Van Dyck en el proyecto, los niños y niñas han ido al cine, han participado en talleres de stop motion, conocido y aprendido muchas cosas nuevas con grandes profesionales como los creadores del corto de animación “Juan y la nube” ganadores del Goya 2015 a la mejor película de animación.

En el proceso de trabajo para realizar este proyecto, los niños y niñas han descubierto la importancia de los diferentes planos utilizados en el cine, también han aprendido a crear su propio Storyboard (historia dibujada) y lo más importante es que al final han creado su película.

Ahora saben que VER ES PENSAR y que el cine es un trabajo duro de equipo y un medio fantástico para contar historias.

Por tercer año consecutivo el «Día internacional de cine / vídeo doméstico» presentó las relaciones domésticas con la imagen en movimiento por parte de artistas que no realizan obra en vídeo sino pintura, dibujo o esculturas. En esta exposición cinco artistas de origen español, de los que tres no residen en este país, salen de su práctica de estudio para adentrarse en las vicisitudes de la pantalla. La mayor parte de estos vídeos se pueden observar como prolongación de su trabajo, bien como el proceso de abocetado contemporáneo, de exploración del espacio o de situaciones meramente triviales. La premisa que activó este proyecto de demostrar que «los artistas también son humanos» se cumple perfectamente a través de la muestra estos vídeos domésticos de Chechu Álava, José María Benéitez, Carlos Ceesepe, Eugenio Merino y Silvia Prada. Artistas con muy distintas trayectorias y objetivos, pertenecientes a diferentes generaciones y que difícilmente coincidirían en una misma exposición, salvo por este motivo. Diferentes miradas sobre asuntos cotidianos que se distinguen del resto de producciones domésticas por tratar unas temáticas poco ortodoxas en el género. Ejemplos que cualquier visitante podría tomar para desarrollar sus propios vídeos domésticos y, de este modo, se cumpliría el objetivo último de la exposición: que cualquier persona pueda llegar a ser artista.

La exposición La vida es esto. Narrativas de progreso, libertad y auto-realización en el capitalismo de hoy — MUSAC OFF, es una propuesta que surge a partir de la lectura de la colección del MUSAC de Léon en torno a una serie de obras que reflexionan acerca de la sociedad actual en el capitalismo de hoy: desde la globalización, la desregulación y la liberalización de mercados, pasando por la democracia, la libertad y la seguridad, hasta el éxito y las expectativas personales.
Los diferentes artistas aquí reunidos utilizan narrativas y lenguajes que se adentran en la filosofía de una sociedad capitalista, que responde a aquellos exitosos eslóganes de dos conocidas marcas de ropa deportiva que aquí resumo en una única frase: haz lo que te propongas (Just Do It!) porque en esta vida no hay nada imposible (Impossible is Nothing!).

Con Iriarte nos encontramos ante una de las figuras más polifacéticas de la escena contemporánea en España, performer, escritor, director de fotografía, crítico, docente, programador y por supuesto cineasta. Su obra es tan extensa como desconocida, de hecho esta es la primera vez que se ven sus películas en un centro de arte.
Su trabajo se materializa en una serie de piezas audiovisuales, en las que no importa mucho su principio ni su final, ya que parece que estemos ante un continuo work in progress, que como la vida, avanza y nos sorprende en cada momento.

Espeleología epidérmica es una ventana al mundo interior de Saelia Aparicio, cruel, calculado y poético; un mundo único e independiente, no exento de una profunda conexión con el del resto de los mortales. Mortal aquí se usa con total intencionalidad; nuestra condición de carne perecedera es la base del entramado conceptual de su trabajo
Lo que propone la artista en su intervención expositiva para el Domus Artium 2002 (DA2) de Salamanca es una expedición a las entrañas de nuestra sociedad, analizando las primeras capas de piel que la rodean, como si de un ente vivo y humano a gran escala se tratase.

I

La naturaleza del dibujo siempre ha sido un territorio de fricción por encontrarse vinculado a la democratización de los modelos de expresión, por un lado, y ser considerado un residuo del proceso por el otro. Partiendo de esta situación disidente, Fernando Renes (Covarrubias, 1970) ha desarrollado un corpus de trabajo en el que ha conjugado y cuestionado la naturaleza de esta técnica para hacernos participes de su visión crítica y de disfrute del mundo contemporáneo.

El título de esta exposición, Cibernética y nutrición, no sólo nos remite a uno de los textos incluido en uno de los dibujos del artista, sino que nos plantea de nuevo ese espacio de edificación y conflicto, en el que el uso de conceptos aparentemente antitéticos van generando un gran collage de imágenes y textos en el que Fernando Renes problematiza la formación de los imaginarios contemporáneos: sus vivencias en Covarrubias, Nueva York o Roma, que evidenciaban tanto los flujos migrantes actuales como los mitos en torno a las grandes metrópolis y otros ámbitos urbanos, la pervivencia del mundo clásico en nuestros inconscientes, el papel que el humor y las poéticas juegan en nuestra cotidianidad, lo erudito y lo popular en pugna con lo vernáculo o los mecanismos de articulación del poder, son algunos de los múltiples ámbitos que conviven en sus trabajos.

De este modo la exposición nos confronta con facetas de nuestras contemporaneidades, al tiempo que presenta una investigación en torno al dibujo. El autor expande así sus posibilidades mediante el uso de distintos lenguajes expresivos articulados sobre distintos soportes –papel, terracota, animación, collage…– que, al tiempo que recorre la historia de esta técnica, le permite explorar sus límites formales.

El Centro de Arte contemporáneo de Salamanca (DA2) presentó Teatrorum, una exposición que plantea una lectura transversal de la amplia producción de José Luis Serzo (Albacete, 1977), uno de los artistas españoles más destacados y reconocidos de su generación.
Definido habitualmente como un creador multidisciplinar que entiende el conjunto de su obra como un gran relato, en esta muestra los comisarios han planteado un análisis de sus elementos discursivos que circunscriben los parámetros del dispositivo teatral: escenografía, iluminación, sonido, decorado, telón, vestuario, utilería y tramoya.
Teatrorum incluyó dos grandes obras y tres trabajos site specific; así como más de 200 piezas con casi otros 100 elementos de atrezzo entre dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones. Todo ello junto a sus característicos detalles intervenidos en la pared. Ocupó toda la planta baja del centro de arte contemporáneo de Salamanca.

La cuarta edición de Visiones Contemporáneas, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales que muestra de forma permanente en el DA2 las últimas tendencias en el cine y vídeo en España, se inauguró con el ciclo dedicado a la artista visual Regina de Miguel. Un trabajo que se pudo ver en el centro de arte contemporáneo de Salamanca hasta el 5 de junio.
En la obra de Regina de Miguel se muestra la relación de amor entre arte y ciencia. Desde su formación como artista ha sabido mostrar interés por la ciencia y especialmente por la ciencia-ficción volcada en cada uno de sus sucesivos proyectos, donde combina films, textos, piezas sonoras, pedagogía, esculturas o instalaciones.

Eloy Arribas es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Su obra ha formado parte de varias exposiciones colectivas como “Cottage Kilns” en el espacio Pintaderas de Valladolid; o ‘’Arezzo si tigne di Spagna’’, en el municipio italiano de Arezzo; “Para Empezar” en Segovia; “Visto por 25” en Zamora; “Summernap” en la Galería Javier Silva, en Valladolid; “Generación Y”, en el Espacio Zink, en Salamanca; o “Instantes en el Paraíso” en La Atómica de Valladolid; entre otras.
La exposición con la que se presenta en el DA2 de Salamanca lleva por título “Bonita Demolición” e incluye un total de diecinueve pinturas, cinco esculturas y dos instalaciones específicas.
La “Bonita demolición” que nos propone refleja una idea destructiva y estética muy característica del punk. Si todo es mera apariencia y de ella depende la aceptación social, si el proyecto de vida en que nos han educado no es posible y si escenario de la existencia no es sino teatro; apuremos la belleza, explotemos el aspecto, decoremos la capa superficial para vivir en el presente.

Comisariada por Jorge Blasco.

La imagen y las "enfermedades" mentales han tenido, generalmente, dos relaciones: una, el arte de los locos que tanto ha interesado a los facultativos; otra, encontrar en la obra la iconografía del loco, la histérica, el alienado, normalmente en retratos o escenas representadas en una técnica u otra.

¿Cómo alejarse de la imagen clásica para llegar a intuir lo que es sufrir un Trastorno Obsesivo Compulsivo (TOC)? ¿Qué tienen que decir las imágenes y artefactos de una colección de arte sobre el TOC? En realidad nada, hasta que no se las activa con esa intención.

Para su activación, se recurre al saber de psiquiatras y psicoanalistas que arrojarán luz sobre la relación indirecta de esas imágenes con el trastorno, sin interpretarlas, utilizando sus disciplinas para ver qué ilustran unas obras que, cuando menos, resultan inquietantes y que traen recuerdos del TOC que se escapan entre los dedos de las manos.

El proyecto tiene dos sedes: el MUSAC (León) y el DA2 (Salamanca). Se trabajó con ambas colecciones utilizando el mismo método y compartiendo a los profesionales de la psiquiatría y el psicoanálisis.

En el DA2, se expuso la colección propia junto con la colección de la Fundación Coca-Cola (España)

En esta edición se han recogido numerosos trabajos que muestran la misma vitalidad, creatividad y originalidad que otras ediciones anteriores. La convocatoria de los Premios San Marcos da la oportunidad al estudiante de Bellas Artes de mostrar su trabajo fuera de la Facultad y ponerlo en contacto con la sociedad. Para ello tienen que tomar una serie de decisiones que en mucho de los casos formarán parte de su trabajo profesional; por tanto, estos premios son una magnífica ocasión de aprendizaje en ese primer peldaño de lo que será la carrera artística de estos alumnos. En la misma dirección, la oportunidad de exponer y exponerse, supone una vía de comunicación con el espectador y el público donde el estudiante de Bellas Artes puede dar a conocer su trabajo artístico.

Comisariada por Playtime Audiovisuales.

La obra de Patiño parte de la relación del hombre con la naturaleza, una relación que recupera la idea romántica de lo sublime, la grandeza del paisaje frente a la insignificancia del ser humano.

Sus películas presentan una experiencia contemplativa de lo inabarcable del paisaje, con fuerte influencia de lo pictórico y claras referencias a la obra de pintores como Friedrich o Turner y cineastas como James Benning, a la que se le va sumando otros ingredientes que van desde elementos relacionados con la historia y las leyendas que poblaron el territorio que registra, hasta la reflexión crítica en referencia a la banalización turística de la naturaleza.

El trabajo de Patiño es uno de los más reconocidos a nivel internacional, sus películas han sido seleccionadas y premiadas en festivales de todo el mundo, como Locarno (Suiza) Ficunam (México) Jeonju (Coread del Sur) Clermont-Ferrand (Francia) Oberhausen (Alemania) Valdivia (Chile) o Sevilla (España) por citar solo algunos, habiendo participado también en exposiciones en MACBA (Barcelona) La Casa Encendida (Madrid) Galería Solar (Vila do Conde) o Museo San Telmo (Donostia).

En esta edición se han recogido numerosos trabajos que muestran la misma vitalidad, creatividad y originalidad que otras ediciones anteriores. La convocatoria de los Premios San Marcos da la oportunidad al estudiante de Bellas Artes de mostrar su trabajo fuera de la Facultad y ponerlo en contacto con la sociedad. Para ello tienen que tomar una serie de decisiones que en mucho de los casos formarán parte de su trabajo profesional; por tanto, estos premios son una magnífica ocasión de aprendizaje en ese primer peldaño de lo que será la carrera artística de estos alumnos. En la misma dirección, la oportunidad de exponer y exponerse, supone una vía de comunicación con el espectador y el público donde el estudiante de Bellas Artes puede dar a conocer su trabajo artístico.

Comisariada por Alicia Ventura.

La fotografía ha ocupado en los últimos años una posición de creciente importancia en el conjunto de la Colección DKV, mientras que este formato tiene una autonomía y una relevancia bien definida al interno de la Colección de fotografía del Ayuntamiento de Alcobendas. Partiendo de los ricos fondos de ambas instituciones, esta exposición estudia el modo en que la concepción del paisaje se encuentra en permanente estado de crisis y reescritura en la creación visual contemporánea.

La antigua distinción entre la ciudad y la naturaleza se quiebra hoy ante la presencia de un territorio discontinuamente urbanizado, de un paisaje intermitente que hibrida los usos urbanos con las preexistencias agrícolas. Los distintos trabajos presentes en la muestra registran esta nueva realidad y conforman un nuevo atlas de de los territorios de nuestra cotidianeidad, construyendo narraciones inéditas en torno a nuevos lugares y nuevas situaciones.

En esta exposición, el artista retrata la posición del hombre ante la naturaleza en términos de actor y espectador. Muchos de los trabajos que la conforman analizan la intervención del hombre en el territorio, y retoman así desde una perspectiva contemporánea y casi documental la histórica tensión entre cultura y naturaleza. En otras obras, sin embargo, los recursos de la ficción se apoderan del espacio urbano y rural, recordándonos la condición necesariamente ambigua y construida del paisaje, a mitad de camino entre la naturaleza y el artificio.

La selección de artistas para la exposición incluye autores considerados ya clásicos de la fotografía española contemporánea, como Luis Vioque, Carlos Cánovas, Bleda y Rosa, Manuel Laguillo y Juan de Sande, junto a fotógrafos de una generación posterior que han dado ya abundantes muestras de su maestría: José Guerrero, Gerardo Custance, Jorge Yeregui o Eduardo Nave, entre otros.

Tauromaquia es un proyecto artístico en el que se plantea la idea de profundizar, en la Fiesta Nacional Taurina. Este es un momento muy especial para el mundo del toreo, en el que el mundo de los toros cobra singular relieve por la presencia de matadores de gran relevancia, pero a la vez se están produciendo sombras que cuestionan su sentido y pueden derivar en su desaparición. Son estos grandes contrastes los que han motivado este proyecto.

En las imágenes que se exponen en el DA2 se incluyen escenas en las que, partiendo de la relación tradicional entre el toro y el torero, se introducen elementos de una gran carga simbólica que transforma esa singular relación. Son elementos nuevos, extraños, sorprendentes, como las piedras. Desde la prehistoria las piedras han ido adquiriendo diversos simbolismos y al relacionarlas con la Tauromaquia se multiplican las sugerencias y las posibles interpretaciones. La liturgia taurina se rompe con la presencia de las piedras introduciendo lo inesperado, lo oculto lo sorprendente.

Comisariada por Sema D’Acosta.

A lo largo de la trayectoria de Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955), la imagen fotográfica ha tomado diferentes formas de presentación en sus trabajos, pocas veces adscrita simplemente a la representación bidimensional. De hecho, desde principios de los años ochenta del siglo pasado, ha sido habitual en su producción el uso de diferentes objetos, dispositivos e instalaciones que sirvieran de apoyo al discurso de cada nueva propuesta que afrontaba. Estos mecanismos de exhibición han ido normalmente en paralelo al desarrollo de un proyecto creativo con forma de libro, un relato visual con voluntad de obra que posibilita que la fotografía despliegue mejor su potencial sintáctico. Para el artista, tanto la disposición museográfica en sala como el ejemplar publicado cobran igual importancia, actúan como dos planteamientos tangentes al servicio de un mismo concepto.

La recopilación de trabajos que se han seleccionado en esta muestra confirma un aspecto sustancial de la carrera de Fontcuberta que no ha sido revisado antes desde este punto de vista. Su originalidad estriba en la asunción de la fotografía como un medio nuevo que, a diferencia de otros lenguajes heredados de las artes plásticas tradicionales, permite desarrollar líneas equivalentes de un mismo proyecto, unas ajustadas a un espacio expositivo y otras a las páginas de un volumen editorial.

Comisariada por Playtime Audiovisuales.

Momu & No Es son el dúo formado por Eva Noguera y Lucía Moreno, dos artistas que llevan trabajando juntas desde el año 2004. A través de instalaciones, performance y películas sus proyectos generan dinámicas basadas en la fantasía y el imaginario adolescente, no exentas de un oscuro simbolismo, a través del cual reflexionan sobre las relaciones y la condición humana en el marco de una sociedad post internet y los extraños engranajes que mantienen todo en funcionamiento.

Partiendo del arte conceptual, la performance de los años 70 y una base en textos filosóficos, evolucionan en su trayectoria hacía un “arte fresco”, personal y directo que sabe entroncar con el público, sin perder capacidad crítica.

Licenciadas en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde se conocieron, “primero notamos que había sintonía, que teníamos cosas en común….Pronto supimos que trabajaríamos juntas” explica Lucía sobre sus comienzos y continuación en el Dutch Art Institute en Holanda. Doctoradas por la Universidad Complutense de Madrid, su trabajo se ha expuesto en España (CA2M - Centro de Arte Dos de Mayo, CASM - Centro de Arte Santa Mónica - Caixa Fórum Barcelona) Países Bajos (Ellen de Brujine Projects - Ámsterdam) Estados Unidos (CUAC - Central Utah Art Center) o México (MACG - Museo de Arte Carrillo Gil) y en Bienales de arte, siendo consideradas por la crítica especializada, unas de las artistas emergentes con mayor proyección internacional.

Han sido becadas por el O&O Research grant del Centrum Beeldende Kunst y la Fundación BBVA, entre otros. Viven y trabajan en Róterdam donde se encuentran ultimando la película “Global Windshield, the musical” en la que profundizan en torno a los temas que muestran las piezas que os presentamos aquí: música y cultura pop, videos de internet, animación 3D, poesía, historias de amor y amistad, comedia satírica y una sucesión de imágenes subversivas en torno al arte contemporáneo y la sociedad del sXXI.

Para este nuevo programa de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y el vídeo en España, nos centraremos en su trabajo videográfico desde sus primeras obras, donde una original combinación de lenguajes y técnicas digitales estaban ya presentes.

El artista premiado por la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes y la organización de la feria Please Art celebrada en Salamanca en diciembre de 2015 fue Martinho Costa, representado por la Galería silvestre de Tarragona y Madrid. Dicho premio consiste en la realización de una exposición en el DA2. Martinho Costa, Fátima 1977, vive y trabaja en Lisboa, un artista al que no se le resiste nada.

Martinho Costa: Coleccionar el mundo y traerlo a casa.

Martinho Costa trabaja de manera obsesiva alrededor de un archivo inabarcable, echando mano siempre de la tradición pictórica y generando comparativas entre el pasado y el presente de una disciplina que inevitablemente se ha visto sorprendida ya no por la histórica irrupción del retrato fotográfico, sino por la banalización del disparo. Folding screen supone un análisis en torno al consumo de imágenes que realizamos en la era en que internet ya no destaca únicamente por su utilidad, sino por haberse convertido en un medio ineludible que entre otras necesidades genera la de inmortalizar instantes que segundos después pierden su importancia. Fotografiamos de manera compulsiva y por esa misma razón hemos provocado que con el paso del tiempo el recuerdo apenas tenga opciones de ser modificado mentalmente. Si recordamos quizás alguno de esos instantes destacados en la vida de cada uno, el uso que se daba a la fotografía era hace poco más de quince años totalmente distinto. El disparo se producía cuando la escena se encontraba perfectamente compuesta y esa imagen pasaba a convertirse en el resumen de aquel recuerdo que el discurso articulaba para finalmente convertirse en tradición oral, en punto de partida de una anécdota levemente ilustrada.

Trópico de Cáncer hace referencia al espacio donde la eclíptica corta la esfera terrestre en una latitud máxima de 23º 26´ 16” N. En concreto, aquellas tierras en donde la línea tropical se aproxima a dos islas bañadas por el mar de las Antillas y donde sus costas están delimitadas por el océano Atlántico al Norte y Este y por el mar Caribe al Sur. Sus nombres Cuba y La Española. Asentados en sus tierras subtropicales, tres países soberanos, Cuba, República Dominicana y Haití, comparten buena parte de lo que la cultura y la naturaleza geográfica les ha proporcionado a lo largo de sus cortas vidas.

Durante más de veinte años Díaz Burgos ha recorrido estos territorios. A lo largo de todo este tiempo ha captado miles de imágenes de estos lugares y estas gentes, con el fin de arrebatar emociones y sentimientos para conocerlos y entenderlos mejor, y siempre con el factor humano como primer objetivo.

El I.E.S. Lucía de Medrano ha demostrado en sus casi 75 años de docencia la preocupación y el interés por las Artes Plásticas por parte de su alumnado y del profesorado del Centro, realizando y participando en múltiples proyectos artísticos y culturales.

El objetivo de esta exposición “CompArte y más” es abrir las puertas de nuestro Centro y mostrar los trabajos, las obras y, en definitiva, el resultado final de una serie de proyectos que los alumnos del IES Lucía de Medrano junto con sus profesores llevan realizando en los últimos años.

Fruto de los distintos proyectos; el Proyecto Tecnicea; el Proyecto Promece de mejora de centros “Paisajes de Aprendizaje; el taller de teatro y la labor diaria docente del Departamento de Artes Plásticas del Instituto, es esta muestra que hoy exponemos en forma de obra final realizada por todos los alumnos y cuyo fin no es otro que el de promocionar el arte, estimular la creatividad y sobre todo educar la sensibilidad facilitando la experiencia estética.

Lo que podemos observar en esta exposición de CompArte y más es solo la punta de un iceberg que tiene como base sumergida acciones tan significativas como:
ObservArte, InterpretArte, AcciónArte y ExpresArte.

Y que a través de talleres y visitas didácticas que serán organizadas por los profesores acompañantes de los alumnos que vengan a visitar esta exposición podrán hacerse realidad.